Partie 1: Plongée dans l’Obscurité – Une Introduction Envoûtante à la Musique Gothique
La musique gothique se présente sous différentes formes et peut être décrite de multiples façons. Elle est souvent décrite comme morbidement obsédée par la mort, sans imagination, et qualifiée de « sombre », « lugubre » ou « dépressive » – ces descriptions révèlent une incompréhension totale du genre. La musique gothique s’adresse à ceux qui sont prêts à écouter et pas seulement à entendre les sons physiques émis. Elle est pleine de passion, de majesté, de beauté, de mysticisme et de mystère, d’horreur, de violence, de douleur, d’amour, de fantaisie, d’érotisme, d’horreur, d’euphorie, de vérité, de mal, de vie, de folie et d’irrationalité. La musique gothique est souvent décrite comme son côté sombre par ceux qui la comprennent mal. Mais elle devrait être décrite comme un équilibre entre l’obscurité et la lumière, la positivité et la négativité. À son apogée, son pouvoir est si puissant qu’il défie toute description. -Andrew Feredi
« Les gens qui aiment le goth metal et ceux qui aiment le bruit industriel n’ont pas nécessairement beaucoup de choses en commun – leurs chemins ne se croisent pas souvent. Mais en même temps, ils sont sous ce grand toit gothique. Ils sont issus des mêmes parents. Des enfants ». – Liisa Ladouceur
Partie 2: Les Racines Ténébreuses – L’Histoire et l’Influence de la Musique Gothique
Dans la partie sombre de la fin des années 1970, la scène musicale underground était remplie de beaucoup de réverbération, de mélodies mélancoliques, d’accords mineurs ou de basse, de rock gothique rempli de thèmes tristes et morbides. Représenté par des groupes tels que Siouxsie and the Banshees, Joy Division, Bauhaus et The Cure, le mouvement subculturel a apporté du réconfort aux jeunes anxieux et à d’autres personnes pendant des décennies. L’influence musicale et esthétique de la sous-culture reste profonde. Voyons maintenant une brève histoire du rock gothique.
Le rock gothique et sa sous-culture élargie, qui comprend les clubs, la mode et les publications, contrastent fortement avec le mouvement post-punk de l’époque. Le genre combine des influences sonores du post-punk, du glam rock et du hard rock, et se caractérise par une sous-culture gothique frappante et des thèmes sombres persistants. Le gothique célèbre la reconnaissance de la mort par le biais de la musique et de l’esthétique, laissant la place à tout ce qui est sombre.
Il est difficile de déterminer la naissance du rock gothique, car de nombreux musiciens ont façonné son esthétique et sa sonorité. Des artistes tels que The Velvet Underground, Marc Bolan, The Doors, Brian Eno, Iggy Pop et Nico sont tous connus pour leur impact visuel et sonore sur la sous-culture.
Partie 3: Un Labyrinthe de Sonorités – Explorer les Genres et Sous-genres Gothiques
Il existe de nombreux genres et sous-genres de musique gothique. Tout le monde a l’air louche. Tout comme les vêtements gothiques, il existe de nombreuses variantes de la musique gothique. En fait, les costumes et la musique se complètent. Il ne suffit pas d’écouter de la musique gothique pour être gothique. Tu trouveras ci-dessous une liste de quelques genres de musique gothique… mais ces listes contiennent également des sous-genres. De nombreux groupes gothiques appartiennent à plusieurs catégories. J’essaierai de classer les genres avec plus de précision en indiquant entre parenthèses comment moi ou d’autres avons classé certains groupes. Voici quelques genres de musique gothique. La musique gothique couvre presque tous les genres : pop gothique, néoclassique gothique, folk gothique, industriel gothique, métal gothique, rock gothique, etc. Personnellement, j’aime tous les groupes du genre gothique.
A) Dark wave néoclassique
L’atmosphère éthérée et les sons angéliques sont fortement influencés par la musique classique. Dans le contexte de la musique populaire, le terme « néoclassicisme » est souvent utilisé pour désigner la musique influencée par la période classique (y compris des éléments de la musique baroque, classique, romantique et impressionniste). Il a des qualités mélancoliques, fantaisistes et parfois nostalgiques. La darkwave néoclassique fait un usage intensif d’éléments orchestraux.
Instruments typiques :
Synthétiseur, cuivres, orgue
Groupe :
Love is Colder Than Death (New Folk), Ashram, Ascension, Faith and Muse (Mixed Style), Emily Autumn (Mixed Style), Daemonia Nymphe (New Folk), Tears of Autumn, Purple Jasmine (New Folk) ), In the « Nursery », « Stoa », « Dark Asylum », « Qntal » (New Folk), « Will », « Trobar de Morte », « Ophelia’s Dream », « Dark Asylum » « , « Stoa », « Pax Hominibus », « The Terror Twins », « Fairyland », « AngelZoom », « The Banished Children of Eve », « Elend », « Will », « Dagard » (néo-folk) ), Arcana, Gothika, Rajna, Aktar, Chaos Star
B) Ethereal Dark Wave
Atmosphères surréalistes, angéliques ou d’un autre monde, accompagnées de paysages sonores de guitares et de voix respirées ou soprano. Ethereal est étroitement associé au label Project, qui contient certains des noms les plus connus de la scène américaine. D’autres labels ont accueilli certaines des figures de proue du mouvement, comme Tess Records.
Instruments typiques :
Guitare, synthétiseur, basse, boîte à rythmes, violon, flûte, piano.
Forme dérivée :
Mode de rêve, chaussures
Groupe :
« Crane, Gray Solace of Autumn, Dark Shelter, Switchblade Symphony (genres mixtes), Self-Likeness, Arcana, The Dead Can Dance (premier album), Lisa Gerrard, Trance Sun, Autumn, Collision, Vicious, Downward Love Spiral, Cocteau Gemini, This Mortal Coil, Persephone, Licia, Mors Syphilitica
C) Staring shoes
Des distorsions, des riffs qui claquent et un « mur du son » composé de guitares puissantes et de voix profondes. La musique tire son nom du son que le groupe jouait en regardant ses chaussures. Le son de Gaze se caractérise par un usage intensif d’effets de guitare et des mélodies vocales indiscernables qui se fondent dans le bruit créatif des guitares.
Instruments typiques :
Guitare, basse, batterie
Groupe :
Smashing Pumpkins, Autumn’s Gray Solace, The Verve, Mono, Cocteau Twins, Mira, Lush, Lovesliescrushing, Love Spirals Downwards, Jesus and Mary Chain, Violet Indiana, For Against, Slowdive, Catherine Wheel, Ride, My Bloody Valentine, Swervedriver, Curve , Spiritualization , Boo Radleys , Medicine , Slow Diving , Blind Mr. Jones
Si tu souhaites rester dans le thème Staring shoes alors il te faudra des Chaussures Gothiques qui en jettent !
D) Dreampop – Goth Pop – Bubble Goth – Synth Pop
Le post-punk et l’expérimentation éthérée fusionnent avec des mélodies pop douces-amères pour créer des paysages sonores sensuels et complexes. Des textures et des ambiances éthérées, des voix masculines graves ou des voix féminines aiguës et respirantes. Dans l’ensemble, 4AD Records est le label le plus associé à la dream pop, bien que d’autres labels tels que Creation, Projekt, Fontana, Bedazzled, Vernon Yard et Slumberland aient également sorti des disques importants dans ce genre. Une variante plus bruyante et plus agressive de la dream pop est connue sous le nom de « shoegaze ».
Instruments typiques :
Guitare, basse, batterie, synthétiseur
Groupes :
Kerli, Bat for Lashes, Alice in Videoland, Austra, Grimes (Witch House), Lana Del Rey (Sadcore, Chamber Pop), Dani Shivers, Bertie Blackman, Julee Cruise, Iiris, Melanie Martinez, Zola Jesus, David Bowie (Synthpop), The Cure (Faith period) (New Wave), Gary Numan (Synthpop), Cranes, Lunascape, Garbage (Electronica), Björk (Tripphop, Folk, Electronica), The Cranberry, Cocteau Twins, The Church, Claire Voyant , The Chameleons, Belly, Echo & the Bunnymen (premiers albums), Goldfrapp (synth-pop), PJ Harvey (blues), Jesus and Mary Chain, Kelli Ali, Lush, This Mortal Coil, Shakespeare’s Sister, Depeche Mode (new wave) , The Smiths (new wave) Poe, Sneaker Pimps (Electronica), Psyche, Strange Boutique, This Mortal Coil, Area, Brian Eno, Xiu Xiu
E) Industriel
Musique mécanique digne d’un robot, avec des paroles qui te feront remettre en question le monde qui t’entoure. De nombreux groupes industriels écrivent des paroles sur le mal dans le monde, comme la cruauté envers les animaux et la science douteuse. Cela évoque des images d’un futur sombre ou d’un monde post-apocalyptique où la pensée indépendante est bannie et où les humains sont presque des robots… certains pourraient dire que c’est le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui. La musique industrielle est souvent associée à l’art de la performance. Les muses de la musique industrielle sont : Friedrich Nietzsche, le surréalisme et les écrits du Marquis de Sade.
Instruments typiques :
Synthétiseurs, boîtes à rythmes, boucles de bande, batterie, guitares, guitares basses, objets trouvés, électronique modifiée, séquenceurs, échantillonneurs.
Origine du style :
Musique concrète, Fluxus, art de la performance, musique électronique, krautrock, bruit, musique expérimentale.
Forme dérivée :
Industriel militaire, Industriel ambiant ou Dark Ambient, Aggrotech, EBM, Industriel électronique, Métal industriel, Percussion industrielle, Rock industriel, IDM, No Wave
Groupe :
Skinny Puppy, Leatherland, The First 242, Frontline Assembly, Pitchfork, Trembling Cartilage, Download, Nine Inch Nails, Android Desire, Das Ich « , » Ramrock « , » Marilyn Manson » (gothic glam rock), » Snake River Conspiracy « , » Crash « , » Gravity Kill « , » Power Plant « , Einstreiche Neuhäusern, Bigod 20, Wumpscut, Haujobb , Coil, Current 93, Wound Nurse, Psychic TV, Consumption, KMFDM, Melee Manifesto, Fetus, Stab Westward, Orgy, Clock DVA, Chris & Cosi, Filter, Lustmord, Kidneythieves, Zoviet France, Lou Reed (albums de Metal Machine Music uniquement), John Lennon et Yoko Ono Unfinished Music No. 1 : Two Virgins et Unfinished Music No. 2 : Life with the Lions
F) Rock gothique
Sons obsédants, guitares, batterie, drame, paroles sur la mort, la religion et l’amour. Le rock gothique a été la première forme de musique à être qualifiée de gothique, bien qu’il y ait toujours eu de la musique sombre, comme le « O Fortuna » de Carl Orff, la chanson « Gloomy Sunday », etc. Ces groupes sont apparus à la fin des années 1960, mais le terme gothique ne leur a été attribué que bien plus tard. Le rock gothique s’inspire de mouvements littéraires tels que l’horreur gothique, le romantisme, la philosophie existentielle et les constructions politiques nihilistes. Les groupes ont également été influencés par David Bowie et les mouvements surréalistes et dada. De nombreux fans de rock gothique ont préconisé un renouveau du death rock comme un retour au son et à la mode d’origine du rock gothique.
Instruments typiques :
Guitare, Basse, Batterie, Boîte à rythmes, Synthétiseur/Clavier
Groupe :
Roz Williams, « Shadow Project », « Realm of the Nephilim », « Christian Death », « Sex Gang Child », « Alien Sex Demon », « Sisters of Mercy », « Bauhaus », « Southern Death Cult », « And There Are Trees », « Rosetta Stone », « Bella Morte », The Church », Eva O », Gitane Demone, Gloria Mundi, Gene Loves Jezebel, Mephisto Walz, Joy Division, Miranda Sex Garden, Virgin Prunes, The Doors, David Bowie, The Velvet Underground.
G) Folk gothique
La musique folklorique est un terme qui désigne le folklore musical né au 19e siècle. Le folk gothique ou néofolk est une forme de musique expérimentale inspirée de la musique folklorique qui a émergé dans les cercles musicaux post-industriels. Il peut s’agir de musique folklorique purement acoustique ou d’un mélange d’instruments folkloriques acoustiques avec des sons d’accompagnement tels que le piano, les cordes ou des éléments de musique industrielle et expérimentale. La plupart des artistes du genre néofolk se concentrent sur des références anciennes, culturelles et littéraires. Des sujets tels que les traditions locales et les croyances indigènes sont souvent mis en avant, ainsi que des sujets ésotériques et historiques. Les musiciens néofolk sont souvent associés à d’autres genres tels que le néoclassicisme et l’industrie militaire.
Instruments typiques :
Harmonica, flûte, guitare, batterie, sitar, violon, oud et autres (plus de 75 instruments).
Groupe :
Bat for Lashes, Patrick Wolf, Fever Ray, Mazzy Star, Bjork, Cranes, Love Is Colder Than Death, Faith and the Muse, Dead Can Dance, Rhea’s Obsession, Daemonia Nymphe, Loreena McKennitt, Alanis Morisette, Tori Amos, Goldfrapp (Synthpop ), Qntal, Faun, Metal Mother, Unto Ashes, Current 93, Sol Invictus, Death in June, Leonard Cohen, Marissa Nadler, CocoRosie, Lacrymosa (Caitlin Pasko), Spiritual Front, H. E.R.R., Darkwood, Nick Cave, Dargaard, Ataraxia
H) Métal gothique
La musique heavy metal est considérée par de nombreux membres de la sous-culture gothique comme « l’antithèse grossière, vulgaire et machiste de tout ce que leur musique représente ». – Gavin Baddeley 2002
Contrairement à la nature « douce » et « féminine » de la musique gothique, le genre heavy metal est souvent associé à l’agressivité, au sexisme et à la masculinité. Malgré cette disparité, « certaines âmes courageuses considèrent le premier album éponyme de Black Sabbath, sorti en 1970, comme le tout premier disque de « goth rock » ». L’auteur Gavin Baddeley note que le titre de l’album « décrit un rituel satanique, avec une pluie battante et un son de cloches, tandis que la pochette représente une jeune fille habillée en noir, à l’allure fantomatique, filmée par une caméra dans un cimetière ». D’autres critiques ont qualifié Black Described by Sabbath de « prototype absolu du groupe gothique heavy », notant qu’en séparant la musique du groupe « de ses connotations heavy metal »
Les groupes listés ci-dessous ne sont pas tous des groupes de métal, certains d’entre eux sont simplement des groupes de musique gothique plus lourde.Je citerai également certains des groupes d’Undead Cheese. N’oublie pas que la plupart des groupes de métal sont sur le point de devenir des Immortal Cheese, c’est la nature de la bête.
Groupe :
Type O Negative, Tapping the Vein, Emilie Autumn, Rammstein, Marilyn Manson (Death Glam Rock), kHz, Xandria, Evanescent, A Perfect Circle, Korn, TOOL, gODHEAD, Carfax Abbey, Within Temptation, Lacuna Coil,
Immortal Cheese (pas un groupe gothique) : Nightwish, Cradle of Filth, The Mighty Sphincter, Tristania, Reflection, Macbeth, Slipknot, AC/DC, Bruttengel, Satyricon
I) Steampunk/Steam Gothic/Neo-Victorian
Voici une jolie petite citation que j’ai trouvée et que j’aimerais clarifier :
« Le steampunk est loin d’être établi, du moins en tant que forme musicale ; il n’y a pas de définition solide du genre steampunk parce qu’il est si confus. Les artistes qui se définissent comme steampunk vont du classique moderne au cabaret sombre en passant par la techno. Il est surtout connu pour être un type de darkwave sordide créé par des goths qui s’ennuyaient et qui ont décidé de changer de vêtements et d’écrire des chansons sur les dirigeables. Le genre est rempli d’adeptes sans talent et d’aspirants qui ne comprennent pas vraiment la vapeur, le concept de punk ou les thèmes édouardiens/victoriens. Sans parler du fait que presque tout ce qui est étiqueté « steampunk » pourrait tout aussi bien être classé dans une autre catégorie, ce qui en fait un genre assez mauvais. La seule exception à laquelle je pense est Clockwork Quartet, qui est exactement ce que le steampunk devrait être et qui a déjà produit deux morceaux extraordinaires. Les artistes n’ont pas besoin d’être « dépouillés » pour évoluer ou s’orienter vers un style différent.
Groupe steampunk :
Clockwork Dolls, Vinian Process, Abney Park, Clockwork Quartet, Bitter Ruin, Chris Weiner, Birdeatsbaby
Groupe New Victoria :
Emily Autumn, Ascension, Ophelia’s Dream
J) Atmosphère sombre
Le paysage sonore spatial transporte l’auditeur dans un monde sombre, inquiétant et désolé. Le dark ambient est un genre incroyablement diversifié, lié à la musique industrielle, au noise, à l’ethereal wave et au black metal, mais souvent sans ramifications ni connexions avec d’autres genres ou styles. Ces artistes utilisent des principes industriels tels que le bruit et les stratégies de percussion, mais emploient ces éléments de manière plus subtile. Les environnements industriels sont souvent constitués d’harmonies dissonantes évolutives de bourdons et de résonances, de grondements à basse fréquence et de bruits de machines, parfois complétés par des gongs, des rythmes percussifs, des grognements, des voix déformées et d’autres sons trouvés, souvent édités en échantillons bruts d’une ampleur méconnaissable.
Certains affirment que la musique bruitiste est un genre « apparenté » ou « frère » du dark ambient, et vice versa. Le bruit est considéré comme désagréable et sombre, tout comme les environnements sombres. Bien que les deux genres ne puissent pas vraiment être comparés sur le plan sonore, de nombreux labels, tels qu’Ant-Zen, ont sorti des albums d’ambient et de noise ainsi que des combinaisons des deux, faisant ainsi progresser ces deux genres progressifs.
Certains musiciens de dark ambient créent de la musique pour des films et des jeux vidéo. Graeme Revell a composé la musique de « The Crow and the Dune » et Chris Vrenna a composé la musique de la bande originale du jeu vidéo American McGee’s pour « Alice » et « The Matrix ».
Groupes :
Aphex Twin, Boards of Canada, Coil, Graeme Revell, Leaether Strip (Serenade for the Dead), Chris Vrenna, Amber Asylum, Hexentanz, William Orbit, Brian Eno, The Knife, Fever Ray, Tangerine Dream, Lustmord, Zoviet France, Nocturnal Discharge, Wound Nurse, Controlling Bleeding, Autopsy, Serenity,
Isis, Daniel Mensch, Arcana, Delerium, Dagard, Death of June, Hieronymus Bosch, Velvet Cocoon, Nine Inch Nails, How to Destroy an Angel, Dark Space, Dead Sound Broadcast, Dark Asylum, Sunn O))), Blue Girl’s Black Tape, The Soul Spins Somewhere, Steve Roach, USA NASA – Symphony of the Planets
Origine du style :
Musique industrielle, musique d’ambiance
Genres apparentés :
Ambient noise, black ambient, ritual dark ambient, discomfort, dark trance, drone metal, ambient black metal, drone
Instruments typiques :
Instruments électroniques, enregistrement en direct
K) Witch House
La Witch House est un genre de musique électronique sombre et mystique et une esthétique visuelle qui a émergé à la fin des années 2000. La musique est fortement influencée par le hip-hop haché et déformé, les paysages sonores ambiants sombres, l’expérimentation industrielle et le bruit, et se caractérise par l’utilisation de synthétiseurs, de boîtes à rythmes, d’échantillons obscurs, de riffs bourdonnants et d’une musique lourdement altérée, éthérée et difficile à comprendre. Voix humaine perçue. L’esthétique visuelle de la Witch House comprend des œuvres d’art, des collages et des photographies inspirés par l’occultisme, la sorcellerie, le chamanisme et l’horreur, ainsi qu’un usage intensif d’éléments typographiques tels que les symboles Unicode.
La plupart des œuvres des artistes de Witch House s’inspirent des thèmes des films d’horreur cultes et obscurs des années 60, 70 et 80, de la série télévisée Twin Peaks et des célébrités de la culture populaire. Les éléments typographiques courants dans les noms d’artistes et de morceaux comprennent des triangles, des croix et d’autres symboles Unicode, ce qui, selon certains, est un moyen de cacher des scènes et de les rendre difficiles à rechercher sur l’internet.
La Witch House utilise des techniques issues du hip-hop staccato et chaotique – ralentissant dramatiquement le tempo avec des rythmes énergiques et interrompus – ainsi que des éléments du genre tels que le bruit, le buzz et le shoegaze. Witch House a également été influencé par les groupes gothiques des années 1980, notamment Cocteau Twins, The Cure, Christian Death et Dead Can Dance, ainsi que par certains groupes industriels et expérimentaux tels que Psychic TV et Coil. L’utilisation de boîtes à rythmes hip-hop, d’ambiances bruyantes, d’échantillons inquiétants, de mélodies sombres influencées par la synth-pop, de réverbérations denses et de sons fortement altérés ou distordus sont les principales caractéristiques du son du genre.
Groupes de Witch House :
Grimes, Salem, Crystal Castles, Purity Ring, oOoOO, White Ring, Ritualz, The Synthesthe Synthetic Dream Foundation
Origine du style :
Chopped and Screwed, Trap House, Dark Atmosphere, Noise, Drone, Shoe Gazing, Industrial Music, Gothic Rock, House
Instruments typiques :
Synthétiseurs, boîtes à rythmes, séquenceurs, échantillonneurs
L) Gothic Holiday
Les goths aiment les traditions et les festivals. Heureusement pour nous, nos groupes gothiques préférés interprètent une multitude de musiques traditionnelles de Noël et de fêtes, dont la plupart se trouvent sur Projekt Records. Chaque année, j’ai hâte d’écouter ma collection de musique gothique de Noël. Elle offre un cadre magique à mes célébrations de Noël. Je n’arrive pas à imaginer que quelqu’un puisse aimer la musique de Noël moderne que l’on produit aujourd’hui. Alors, si tu es comme moi et que tu ne veux pas écouter de la musique moderne dégoûtante et triste, écoute la liste de lecture ci-dessous et tu trouveras de la musique de Noël traditionnelle qui a de la dignité et du sens.
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Partie 4: Les 30 Meilleures Chansons Gothiques de Tous les Temps
30. The Damned – « Wait for the Blackout » (1980)
Depuis leur premier album Damned Damned Damned en 1977, les Damned ont navigué entre le gothique et le punk humoristique, ancrés dans le personnage de vampire du chanteur Dave Vanian. Mais à la fin des années 1980, le premier a clairement gagné la bataille esthétique. L’album le plus équilibré des deux est The Black Album (1980), une sombre épopée menée par ce single, l’un des meilleurs de toute l’œuvre des Damned. « Wait for the Blackout » est une ode à l’obscurité, à toutes les créatures de la nuit. Vanian rend hommage au moment sacré qui appartient à chaque monstre mythique : « L’obscurité a du pouvoir/ On ne peut pas le trouver à la lumière du jour. » -Jeff Tritsch
29. The Cult – « Rain » (1985)
La chanson « Rain » de The Cult est souvent éclipsée par « She Sells Sanctuary », qui a connu un succès commercial plus important et qui figurait sur leur album Love de 1985 (qui a propulsé le groupe de Yorkshire Bradford vers la célébrité), est devenue un hymne éternel pour le rock gothique, qui est évidemment un hymne éternel pour le rock gothique. Inspiré par l’intérêt du chanteur Ian Astbury pour la culture amérindienne et les danses traditionnelles de la pluie. Peut-être la plus grande réussite de l’âge d’or de la sous-culture gothique, la carrière de The Cult a commencé avec l’ancien leader de Southern Death Cult, Ian Astbury, et l’ancien guitariste de Theater of Hate, Bee Meet Billy Duffy. D’abord connu sous le nom de Death Cult sur une série de premiers EP, le duo a ensuite raccourci son nom et s’est hissé au hit-parade des singles avec des titres comme « Spiritwalker », « Resurrection Joe » et leur premier album couronné de succès, « Dreamtime ». « Rain » incarne toutes les caractéristiques de leur son post-Dreamtime, de la guitare psychédélique épaisse de Duffy au timbre unique de la voix d’Astbury. Ils ont rompu avec la nature conservatrice du goth et lui ont donné une touche de nostalgie qui n’était pas du tout à la mode dans le heavy rock hétérosexuel des années 1970. Mais bon, ça a marché ! –Sam Price
28. Algiers – Death March (2017)
La musique gothique s’inspire depuis longtemps des genres musicaux dark, non masculins et queer, qu’il s’agisse de blues, de musique électronique ou de divers genres pop. Cependant, malgré ces lignées fortes et indéniables, comme de nombreuses sous-cultures en dehors de la scène gothique, la consolidation et la canonisation en gros des personnages et des communautés qui ont aidé à créer la scène gothique a été dans un état de choses franchement embarrassant et Shamefully encore incomplet depuis un certain temps. C’est pourquoi nous sommes si excités de voir comment Algiers, d’Atlanta, en Géorgie, combine des éléments de soul et de gospel grâce à la voix puissante de Franklin James Fisher, qui non seulement puise si profondément dans ces sources, mais les mélange si harmonieusement, que personne ne peut facilement nier la lignée que la musique gothique a toujours eue, ou la place légitime que ces personnages et ces histoires occupent dans la narration de leurs récits. C’est pour cela qu’Alger est un endroit si merveilleux. Cet extrait est tiré de leur deuxième album, The Underside of Power, qui surpasse de loin leur premier album, déjà excellent. Les hauteurs qu’Alger peut atteindre semblent toujours planer dans les nuages. Il y a chez eux une puissance et une certitude qui donnent l’impression d’un maître, nietzschéen, d’un lion joyeux et rieur. Alger/Extrait/C’est quand la tournée Passion et Passion ? –Landon Hickman
27. Gravediggaz – Diary of a Madman (1994)
Il n’est pas surprenant que l’horrorcore, le genre hip-hop le plus proche du gothique, n’ait jamais été adopté par le grand public. Les raisons en sont multiples et ne peuvent être résumées en un seul mot. Quoi qu’il en soit, Gravediggaz est certainement l’incarnation du horrorcore d’un point de vue sonore. Le projet parallèle de RZA/Prince Paul présente le plan de production du genre – piano à faible tonalité et échantillons de soul, avec des voix obsédantes ici et là – et c’est ce que l’on retrouve sur » Diary of a Madman « . La chanson elle-même n’est pas effrayante : il s’agit d’une histoire ironique de meurtre et de désordre, encadrée par une série de témoignages au tribunal qui révèlent des niveaux de violence de plus en plus ridicules, culminant avec l’exécution soudaine de l’accusé. (Si tu admet que le horrorcore a sa place dans l’histoire du gothique, et je pense que c’est le cas, alors il est impossible de ne pas apprécier ce supergroupe et cette chanson. –Liam Green
26. The Legendary Pink Dots – Blacklist (1989)
Ce n’est pas un groupe gothique à proprement parler, mais plutôt un groupe de pop progressive psychédélique avec des lignes sombres sous leurs ailes. En conséquence, The Legend of Pink Dot d’Edward Kaspell se trouve au centre du voyage hallucinatoire de la culture gothique des clubs de la fin des années 80 à travers les vagues sombres et l’industrie. The Blacklist », hymne de club rare et palpitant dont le catalogue est rempli de détours étranges à travers les jardins de psilocybine, de messages du vide et d’un moment occasionnel de vraie pop, met les techniques de musique de chambre gothique du groupe au service de la pure charnalité. Son attrait pour l’underground n’est pas un secret du tout – les Dots n’en ont pas encore fait une habitude, mais en essayant, ils ont réussi à l’obtenir. –Jeff Tritsch
25. Fields of the Nephilim – « Love Under the Will » (1988)
Chaque fois que j’interviewe des groupes gothiques, je leur demande quels sont les groupes de metal qu’ils aiment, et avec les groupes de metal, je fais l’inverse. Quoi qu’il en soit, ils se réfèrent au « pays des Nephilim ». Il est difficile d’échapper à la puissance de la voix de Carl McCoy, et même si le groupe de Stevenage, Hartfordshire, apporte une touche plus douce à la chanson, il n’en délivre pas moins son chant sombre. En 1988, l’approche psychédélique puissante et complexe du groupe était peu commune parmi les groupes de métal, sans parler des groupes gothiques avec des codes vestimentaires de cow-boy, et Love Under Will dégage une atmosphère pure, avec ses Hugs hypnotiques qui fascine. –Will Llewellyn
24. Diamanda Galás – « Double Barrel Prayer » (1988)
Suzy est peut-être la reine des gothiques, mais Diamanda est la maîtresse de l’enfer. « Double Barrel Prayer » est la première chanson originale de You Must Be Sure Of The Devil, après leur interprétation de « Swing Low Sweet Chariot » et représente la fin de leur trilogie de disques sur l’épidémie de SIDA. Il y a beaucoup de puissance obscure ici ; après avoir fait ses débuts avant-goth/prog avec le duo d’enregistrement, elle passe d’histoires de mal satanique à des communautés queer et des communautés de couleur souffrant aux mains d’un gouvernement américain indifférent et malfaisant. « Double Barrel Prayer » transforme les rythmes électroniques de la musique queer américaine et européenne en une prière funèbre teintée d’acidité et de menace. Ce n’est pas la voix d’un homme qui accepte la souffrance de sa communauté ; c’est celle d’un succube, d’un démon destructeur qui surgit de l’enfer pour se venger de la chair humaine et imposer des malédictions aux vivants qui se sont condamnés à mort. C’est l’arme tordue de la croix que Satan a utilisée contre Reagan. Lucifer, libérateur noir. –Landon Hickman
23. Tone on Tail – « Performance » (1984)
Le single le plus célèbre de Tones on Tail est « Performance ! », une chanson dance-punk facilement identifiable qui fait la part belle à la cloche à vache. Mais la chanson qu’il a remplacée sur la version américaine de Pop Album était « Performance », un succès peut-être moins évident mais plus en phase avec la sous-culture gothique dont le groupe précédent d’Ashe et Haskins était devenu emblématique. La différence est dans le ton plutôt que dans la dynamique – c’est un morceau tout aussi subculturel et disco que « Go ! », mais au lieu d’applaudissements et de chants « yayah », il y a une vision paranoïaque d’une « branche de flamme froide » et des cordes serpentines qui s’enroulent autour des pulsations glaciales d’arpégiateurs de synthétiseurs. C’est une véritable hantise pour les pistes de danse –Jeff Tritsch
22. The March Violets – « Snake Dance » (1983)
Avec les Sisters of Mercy, Red Lorry Yellow Lorry et The Mission, The March Violets faisait partie de la vibrante scène gothique et post-punk qui a émergé dans la région de Leeds, dans le nord de l’Angleterre, au début des années 1980. Dans un contexte de chômage élevé et d’austérité thatchérienne, il n’est pas étonnant que Leeds soit devenu à cette époque un foyer de musiciens vêtus de noir chantant la mort et la destruction, sans parler de la présence dans les journaux de l’éventreur du Yorkshire, Peter Sutcliffe (il a brutalement assassiné 13 femmes près de Leeds et de Bradford). Les Violets en particulier sont l’un des groupes les moins connus du genre, mais il n’y a pas de bonne raison à cela, car « Snake Dance », sorti en single en 1984, mérite d’être comparé à d’autres classiques du gothique britannique. Bien qu’il s’agisse d’un morceau poli et commercial, il combine habilement l’énergie punk rock des Stooges avec une nouvelle majesté glacée, grâce à leurs boîtes à rythmes caractéristiques. Ironiquement, si « Snake Dance » s’est avéré être le plus grand succès du groupe, il a également marqué sa chute, la pression des engagements commerciaux et l’interférence du personnel A&R étant devenues trop importantes. –Sam Price
21. Virgin Prunes – « Pagan LoveSong » (1982)
Le single théâtral des Irlandais Virgin Prunes « Pagan Lovesong » (1982), initialement séparé du premier album If I Die, I Die, est un single remarquable qui dépeint les rituels de séduction des goules et des marginaux. « Je veux voler ton cœur », chantonne le superbe leader Gavin Friday sur un rythme brut et minimaliste. « Je veux manger ton cœur. Un amoureux marche à travers une terre brûlante de Runeterra, et la chanson est remplie du romantisme des meilleures répliques de Gomez Addams et du rugissement assoiffé de sang d’une bête. « Pagan Love Song » est à cheval entre le sexy et le dérangeant, un sort sur lequel on peut danser. –Jeff Tritsch
20. Fever Ray – « If I Had a Heart » (2009)
Tu te souvient quand Karin Dreijer, la star de Fever Ray, a remporté le P3 Guld Award suédois de l’artiste de danse de l’année en 2010 ? Ils portaient des bandanas rouges et des masques semblables à ceux de l’un des cauchemars de David Cronenberg (ce qui en dit long), mais ne disaient rien. Il suffit de chanter une chanson de gorge rauque pendant quelques secondes et c’est parti. On ne peut pas nier que le gothique, c’est ce qu’il y a de mieux. Cela s’applique également à » If I Had a Heart « , le premier et meilleur morceau du premier album éponyme de Fever Ray, sorti en 2009. Il n’y a pratiquement aucun instrument – juste une guitare bourdonnante et une pulsation occasionnelle de grosse caisse, sous la voix souvent déformée mais toujours unique de Dreijer. Le passage du registre grave à la voix naturelle de Dreijer au milieu de la chanson est aussi choquant qu’un jump scare ; c’est comme si de multiples personnalités se révélaient dans la narration de la chanson, chacune cherchant à dominer l’autre. La chanson la plus effrayante de la carrière de l’artiste à ce jour, remplie de moments forts à la fois hypnotiques et sombres. –Liam Green
19. Julie Cruise – Falling (1990)
Parmi les nombreux grands titres de cette liste, je dirais que la ballade dream-pop de Julie Cruise qui est devenue la chanson thème de Twin Peaks est l’une des moins ouvertement « gothiques ». Les personnes qui ne connaissent pas le genre en dehors de sa définition traditionnelle, mais qui ont vécu les années 90, pourraient entendre ce morceau et penser qu’il provient de Pure Moods : voix éthérée, presque délicate, énorme basse réverbérée et synthétiseurs principaux brillants – des sons, à première vue, similaires à ceux d’une méditation guidée. Mais en y regardant de plus près, on s’aperçoit qu’il y a un courant sous-jacent. Sur le plan sonore, avec les arrangements et les orchestrations dirigés par Angelo Badalamenti, il y a un clin d’œil évident au son 4AD perfectionné par This Mortal Coil et les Cocteau Twins, et malgré la simplicité des paroles de David Lynch (je sais, c’est choquant), il y a un fort soupçon de désespoir pour elle. « Ne les laisse pas te faire du mal cette fois-ci », murmure Cruise, en s’abaissant dans une position qu’elle n’utilise que rarement. L’amour dans lequel le narrateur de la chanson est piégé ressemble plus à un tourbillon. –Liam Green
18. FKA Twigs – « Figure 8 » (2015)
FKA Twigs n’est probablement pas un nom que tu t’attendais à voir sur cette liste. En fait, le travail de Twigs brise toutes les frontières traditionnelles des genres, mais son sens accru du drame et son indéniable courant sombre jouent tous deux un rôle dans son attrait unique. Cela n’est nulle part plus évident qu’avec leur EP de 2015, le M3LL155X. Le morceau d’ouverture « Figure 8 » est un numéro de danse gothique et chatoyant qui parle de vulnérabilité et de style. La chanson est pleine de contrastes frappants : des rythmes anguleux et des lignes de basse tonitruantes contre des staccatos de synthétiseurs tourbillonnants, des couplets soprano soigneusement contrôlés contre le rap sifflant du pont, une puissance tranchante comme un rasoir contre une subtilité correspondant à la vulnérabilité. L’approche de la performance de Twigs est inextricablement liée à son art. Elle utilise la danse et des éléments visuels pour exprimer pleinement ses créations. En 2016, sa performance live de « Figure 8 » a parfaitement mis en valeur son style glamour, puissant et gothique. –Emma Bauchner
17. Light Asylum – « Dark Allies » (2011)
Light Asylum n’a sorti qu’un seul album et une poignée de singles jusqu’à présent, mais quand on écoute Shannon Funchess – la chanteuse semble être capable de déballer un mélange épuisant d’émotions et de physicalité en seulement six minutes – on peut comprendre pourquoi ils l’ont fait. Je ne sors pas un single comme « Dark Allies » tous les mois. Le groupe new-yorkais Light Asylum s’est inspiré de l’imagerie religieuse et de la drogue qui était un pilier de ses prédécesseurs comme Depeche Mode (« Crucify Me in the Darkest Alleys »), en ajoutant des éclairs de néon à leurs études de pulsations EBM pour former Compare cela au premier single. Dark Allies a définitivement un côté disco hédoniste. Et des exorcismes. –Jeff Tritsch
16. Cold Cave – « Confetti » (2011)
Il est étonnant qu’une phrase aussi annonciatrice de la société moderne que « It’s important for bad people to look good » ait été écrite dans les limites apparemment amicales de l’administration Obama. Wesley Eisold tisse une vie de défis physiques et mentaux (une main manquante, une dépression chronique) dans une synth-pop clairsemée qui culmine dans une désillusion passive et une déception active. En combinant cela avec son esthétique noire et blanche, il incarne la vérité gothique qui va à l’encontre de son style lyrique, à savoir que les bonnes personnes peuvent avoir l’air mauvaises à l’extérieur. – Adam Blevins
15. Spelling – “Haunted Water” (2019)
La ligne de synthé d’ouverture est énorme, et Chrystia Cabral (mieux connue sous le nom de « Spelling ») balance ses voix douces sur le même beat distordu qui est sinistre alors qu’elle subvertit à la fois le plaidoyer de Simon et Simon & Garfunkel et chante, « It’s not enough / to build one » (Il ne suffit pas / d’en construire un). « Bridge/ Over enchanted water » Musicalement, la chanson incarne l’espièglerie de Gothic, mais elle met aussi en évidence son côté discutailleur. La capacité de s’engager sur des sujets tels que la mort, le pouvoir et le poids de l’histoire. Cabral invoque les esprits des morts, mais il ne s’agit pas d’une illusion. Comme l’indique Sacred Bones dans un communiqué de presse relatif à la chanson, « Haunted Water » « évoque les souvenirs de la violence coloniale qui a frappé la route historique des navires négriers du Passage du Milieu ». Le mot « haunted » est central ici, car la chanson elle-même vise à supprimer les associations ludiques de « haunted » créées par des décennies de fêtes d’Halloween remplies de fantômes fictifs, ainsi que les références à une partie très sanglante de l’histoire de l’Amérique. L’effacement systématique des vrais fantômes. –Tyler Dunston
14. Type O Negativity – « Love You to Death » (1996)
« Love You to Death » est la power ballade gothique par excellence de l’apogée créative de Type O Negative, October Rust, et donne le ton au style Sgt Pepper plus grandiose du groupe. Bien que repris par la suite par des groupes comme Pallbearer, le groupe new-yorkais s’est éloigné de l’ambiance doom de son dernier album pour s’orienter vers une noirceur plus romantique.
Belle, mais portant le poids du physique de Peter à la basse. La voix de Steele est plus érotique que glauque. La différence entre le post-punk et le gothique est essentiellement que le post-punk vise à soulager la tension, tandis que le gothique vise l’élégance. Cette chanson incarne cette grâce comme peu l’ont fait depuis sa sortie en 1996. –Will Llewellyn
13. Savages – « Husbands » (2012)
Les rythmes séduisants et les riffs de guitare acérés de groupes comme Joy Division, Siouxsie & the Banshees et The Chameleons font partie de l’ADN du groupe britannique Savages. Mais en redonnant vie à certains des précurseurs les plus célèbres du goth rock, ils ont poussé les extrêmes de l’esthétique plus loin, dans des espaces viscéraux et conflictuels. « Husbands » est la chanson la plus intense et la plus explosive qu’ils aient jamais entendue, transformant les idées de bonheur domestique en cauchemar de Stepford, mettant apparemment la chanteuse Jenny Beth hors circuit et éliminant ses prétendants. Dès le moment où le riff de guitare de Gemma Thompson entame sa spirale descendante, « Husband » se dirige dans une direction – vers le bas, vers l’abîme. –Jeff Tritsch
12. « Dead Can Dance » – « The Ubiquitous Mr. Lovegrove » (1993)
Dead Can Dance se démarque des autres groupes de la scène gothique en reprenant des sons anciens d’autres cultures et en les intégrant dans un contexte moderne. Le groove serpentin inhérent à la chanson en fait l’une des œuvres les plus inspirées du duo. Ils se sont inspirés du titre d’un épisode de la série Danger Man de 1965 et ont intégré la voix tendre de Brendan Perry, plus accessible que les sombres ballades qu’il domine habituellement. « Lovegrove », le premier single de leur album Into the Labyrinth (1993), marque leur entrée sur le territoire des grandes maisons de disques, grâce à un contrat de distribution avec 4AD. Dead Can Dance a prouvé très tôt que la musique gothique ne se limitait pas au punk d’Halloween, car leur musique ne connaissait pas de frontières. –Will Llewellyn
13. Have a nice life – « Bloodhail » (2008)
« Bloodhail » est certainement devenu la signature et le thème sonore du projet Have a Nice Life, et avec sa ligne de basse désormais iconique (et absolument dégoûtante), l’étoffe d’un émerveillement gothique. La voix de Dan Barrett trahit à la fois la déception et l’harmonie existentielle forcée. Alors que le chant implore l’auditeur, le refrain du travail spectral de Tim Macuga à la guitare et au chant est à jamais gravé dans le crâne de chaque auditeur : « Arrow/Arrow « , répété à l’infini. Bloodhail a peut-être plus de points communs sonores avec Shoe Gaze qu’avec n’importe quelle autre œuvre gothique, mais son esprit et son esthétique sont indéniables. Bien que Sea of Blood ait déjà été un nouvel ajout au canon gothique lors de sa sortie en 2008, il est facile de spéculer que Sea of Blood continuera à prendre de l’ampleur avec le temps, tout comme le culte mythique Behavior est le même. –Brian Roesler
12. Bat for Lashes – “Daniel” (2009)
Le premier single de l’album Two Suns de Natasha Khan – Kate Bush, The Karate Kid, First Love est empreint de nostalgie des années 80, tandis que la ligne de basse de « A Forest » de The Cure est légèrement différente. Elle l’a signalé il y a un an. Mais la romance à gros budget de « Daniel » ressemble plus à « Love Song » qu’à « Seventeen Seconds », plus à des rêveries sombres de nuit de rende toi et de remplissage de mixtape qu’à un plongeon tête la première dans l’abîme. On peut dire que ce n’est pas aussi gothique que son single « What’s a Girl to Do ? », mais « Daniel » est certainement un morceau étonnant de pop gothique pour le grand écran, avec Claire Standish et Al Leeson Reynolds est probablement d’accord avec cette chanson. –Jeff Tritsch
11. Zola Jesus – “Exhumed” (2017)
Ce sont les tambours qui rendent Exhumed si terrifiant. Non, attend, c’est le hurlement de Zola Jesus qui rend « Exhumed » terrifiant. En fait, ce sont ces cordes brisées et tranchantes qui rendent « Exhumed » si terrifiant. Est-ce un cliché de dire que c’est tout ce qui précède, tout ce qui est combiné, qui rend « Exhumed » si effrayant ? Car je pense que la réponse réside dans le poids écrasant de tout cela, comme si la maison de Dorothy s’écroulait juste au-dessus de toi, vos Doc Martens rouges scintillant au soleil. La façon dont Nika Roza Danilova transforme son pop art en vagues sombres et ses mélodies en brutalité mérite d’être soulignée. Après un album qui a ouvertement rivalisé avec le Top 40, elle revient avec sa musique la moins commerciale à ce jour, mais aussi sa meilleure. « Dans le tumulte, on renaît », chante-t-elle, une affirmation qui s’applique à la fois au narrateur de « Exhumed » et à Danilova elle-même. –Ben Cohen
10. Sonic Youth – “Death Valley ’69” (feat. Lydia Lunch) (1985)
La batterie de Steve Shelley a quelque chose de spécial. Pas seulement en général (bien que oui, en général), mais aussi dans Death Valley ’69. La façon dont il galope vers l’avant, comme un cheval sauvage fuyant son propriétaire, ou comme la dernière fille fuyant un tueur en série. L’urgence est évidente. « Bad Moon Rises » traite d’une version tordue de l’Amérique, tandis que « Death Valley 69 » se concentre sur un personnage au cœur dur dans la noirceur de l’Amérique : Charles Manson. Le texte décrit une scène horrible : « Tu as raison, je me suis trompé de chemin. Nous étions au fond de la vallée, comme dans un canyon. La violence reste abstraite, mais on l’entend dans le désespoir de Thurston Moore et la joie perverse de Lydia Lunch. Sonic Youth n’était pas un groupe gothique, mais Death Valley ’69 avait le visage peint avec de l’eye-liner noir.-Ben Cohen
9. Chelsea Wolfe – “Feral Love” (2013)
« Wild Love » a marqué la première apparition grand public de Chelsea Wolfe lorsque la chanson a été utilisée dans une vidéo promotionnelle pour Game of Thrones. C’est logique : La pulsation inquiétante a une qualité résolument cinématographique. Bien que Wolfe puisse nier être gothique, même après avoir admis avoir été influencée par Nick Cave et Suzie Sioux, les voix obsédantes de la chanson racontent une autre histoire. Sa voix fantomatique pousse la chanson plus loin dans l’obscurité, avec une forte pulsation, et se construit jusqu’à un point culminant puissant. Un point culminant de la pop gothique contemporaine. –Will Llewellyn
8. Scott Walker – “Clara” (2006)
« Clara » est un morceau apocalyptique empreint de majesté et de rage troublante, une réussite glaçante de la part d’un maître rarement associé à la musique ou à l’esthétique gothique. Cependant, l’album The Drift (2006) de Walker est une exploration sombre du vide qui reste incompréhensible pour la plupart des gens, compte tenu de la trajectoire de la carrière de Walker. L’une de ses œuvres les plus remarquables, Clara, a été conceptualisée en relation directe avec la représentation de l’histoire d’amour de Mussolini, venant d’un endroit violent et morbide et suivant une longue tradition d’obsessions historiques gothiques. Le penchant de Walker pour les instruments dissonants et les percussions concaves, combiné à son chant velouté, en fait un exercice troublant dans les profondeurs les plus turbulentes et improbables de l’amour, de l’obsession et de la peur – trois éléments clés qui ne sont pas seulement au cœur de l’esthétique gothique, mais de tout le domaine de l’art lui-même. –Brian Roesler
7. Leonard Cohen – “Avalanche” (1971)
Après la séparation de The Birthday Party, Nick Cave a lancé The Bad Seeds, dont le premier album comprenait une reprise des dirges les plus sombres et les plus étranges de Leonard Cohen, One starts. Pourtant, même les aboiements féroces de Cave à son apogée ne parviennent pas à capturer la peur et l’échec que Cohen incarne dans cette sinistre confrontation avec le dégoût de soi. J’ai été pris dans une avalanche », chante Cohen dans l’intro, « et elle a recouvert mon âme ».
« Il est difficile de se remettre de cette noirceur, mais la douleur et la violence qui s’en dégagent sont hypnotiques – le style de guitare ‘hachée’ de Cohen crée une tension inhérente à la saga de ‘The Hunchback You Saw’, car les cordes viennent de gonfler. Frotter le sel dans ses blessures. Sur un album contenant une chanson qui pourrait bien se terminer par un suicide et une autre avec des images infernales d’un jardin d’enfer boschien, « Avalanche » reste l’un des moments les plus sombres de Cohen, ne serait-ce que parce qu’il semble toujours un peu plus sombre. Contrôlé et soigneusement stylisé. Il ne s’agit pas de quelqu’un qui tombe sous nos yeux, mais plutôt de l’histoire de la chute racontée à travers une distance terrifiante. –Jeff Tritsch
6. Joy Division – “Shadowplay” (1979)
« Shadow puppetry » est un exercice intense. De la basse iconique et texturée du début à la guitare déchirante et haletante de Bernard Sumner, il contient un niveau de peur et de panique qui ne peut être ressenti que dans l’âme. La voix de Ian Curtis transmet ici quelque chose de différent, de fragile et de sombre, et sa mort pèse lourdement sur le court catalogue de Joy Division, chaque ligne donnant l’impression d’être chantée depuis les profondeurs de la terre. Il y a un sentiment de terreur qui imprègne le morceau, mais cela ne diminue pas son énergie. « Shadowplay » a été repris un nombre incalculable de fois et a inspiré beaucoup de monde, devenant plus qu’un simple morceau gothique, mais s’imposant comme une institution gothique du point de vue du son, des paroles et de l’esprit. –Brian Roesler
5. Nick Cave & The Bad Seeds – “Red Right Hand” (1994)
« Red Right Hand » est la seule chanson de cette liste à avoir été reprise par Snoop Dogg. C’est l’une des rares chansons gothiques à avoir laissé une empreinte culturelle dans le grand public, apparaissant dans tous les domaines, de la série Scream à Peaky Blinders. Mais The Red Right Hand est moins « gothique » que « gothique sudiste », traversant la noirceur et la bizarrerie décrites par des écrivains comme Flannery O’Connor et Ambrose Bierce. Les premiers travaux de Nick Cave avec les Bad Seeds étaient fortement influencés par le blues (ainsi que par le folklore sudiste américain), bien que sa fascination aille au-delà des riffs de guitare et se concentre sur les représentations du crime et du surnaturel. « Red Right Hand » reprend un thème familier du blues – une figure faustienne qui te donne ce que tu veux le plus à un prix horrible – et en fait un groove squelettique et fantomatique propre à Cave. Sur l’album suivant, Murder Ballads, les Bad Seeds sont devenus plus sombres et plus campagnards, mais Red Right Hand a suffi à prouver que pour Cave, l’humour et l’horreur peuvent aller de pair. –Jacob Lindbergh
4. Sisters of Mercy – “Lucretia My Reflection” (1987)
La musique gothique est pleine de dissidents, mais ils s’en prennent souvent à des compagnons anonymes, à des gouvernements sans visage et à des sociétés hostiles dans leur ensemble. Le groupe de Leeds The Sisters of Mercy s’est séparé en 1985 et est revenu en 1987, ce qui a conduit le leader Andrew Eldritch à s’en prendre à ses anciens camarades qui ont quitté le groupe pour former Ghost Dance et The Mission. Il s’agit d’un hommage à la musicienne Patricia Morrison (The Gun Club, The Damned) qui l’a remplacée dans Sisterhood et SoM v2.0, et qui l’a dépeinte comme une représentation artistique du pouvoir féminin dans l’esprit de l’aristocrate de la Renaissance Lucrezia Borgia, et comme une image miroir de ses propres capacités créatives. Avec des références grossières aux chemins de fer britanniques et aux soldats drogués, et un rythme hypnotique entraîné par une basse élastique et une électronique subtile, la chanson est un pont solide entre le post-punk et le steampunk. – Adam Blevin
3. Nine Inch Nails – “Terrible Lie” (1989)
Une grande partie de la musique de Trent Reznor (sans doute la plus grande) ne sonne pas particulièrement gothique, du moins pas comme les œuvres fondatrices du genre. Mais Nine Inch Nails est inextricablement lié au gothique. Des chansons comme « Terrible Lies » y sont pour beaucoup. C’est l’un des points forts de Pretty Hate Machine, le premier album de NIN sorti en 1989, et bien que « Lie » soit difficile à suivre en raison de son enchaînement après l’hymne « Head Like a Hole », il se fraye un chemin à travers des synthés qui se tortillent et qui picotent. Pour maintenir la fureur, c’est une astuce intelligente qui utilise une dynamique douce (une autre des spécialités de NIN) et la dynamique lente et implacable de ses tambours programmés. La sincérité gothique de la chanson (et celle de NIN en général) provient principalement des paroles : bien qu’elles fassent partie des lignes les plus dramatiques de Reznor – « Why am I so hostile?/Hey God, I think you owe me a lot » (Pourquoi suis-je si hostile ? /Hey God, je pense que tu me dois beaucoup). « I’m sorry. » – elles sont aussi parmi les plus efficaces. Le charismatique « Terrible Lies » reste l’un des morceaux préférés de NIN 30 ans plus tard, précisément en raison de sa popularité durable : en concert, Reznor et ses tournées Les membres du groupe l’ont encore transformé en un chef-d’œuvre cathartique de rock gothique industriel vraiment époustouflant. -Liam Green
2. Dead Can Dance – “Host of Seraphim” (1988)
Ce morceau obsédant et éthéré (l’appeler « morceau » serait le gâcher) est un exemple de la réussite révolutionnaire et souvent méconnue du duo australien Dead Can Dance, qui a donné vie au gothique avec des sons épiques et cinématographiques. La musique pénètre dans un territoire sombre et ambiant. Elle ouvre le quatrième album studio du groupe, The Serpent’s Egg, qui a été enregistré dans une tour londonienne désolée à plusieurs étages, comme l’aurait écrit J.G. Ballard. Des textures de synthés glacés, de cordes et de percussions majestueuses fusionnent avec la voix envoûtante de Lisa Gerrard, qui gémit comme un appel à la prière. Du chant grégorien à la musique indienne traditionnelle en passant par le minimalisme américain, une variété d’influences musicales évoquent des paysages exotiques du futur comme du passé lointain. « The Master of the Seraphim » souligne avec justesse l’une des séquences les plus captivantes du récit de voyage « Baraka » de 1992 (réalisé par Ron Fricke, mieux connu pour la cinématographie de « Koya Niskasi »), et incarne l’imagination cinématographique de ce groupe complexe. –Sam Price
1. Screamin’ Jay Hawkins – “I Put a Spell on You” (1959)
Met ça sur le compte de l’alcool et tue le DJ. Jalacy Hawkins, un musicien de blues qui aimait l’opéra, a écrit cette chanson en 1955 et l’a interprétée comme une ballade traditionnelle. Lorsqu’il la reprend l’année suivante lors d’une séance de studio arrosée, ses cris et ses hurlements, précédés d’une subtile marche de saxophone, la transforment en une ode à la possessivité effrayante. Hawkins est banni des stations de radio pour avoir été trop bruyant, mais il crée tout de même un énorme buzz et attire l’attention du légendaire DJ de Cleveland, Alan Freed. Ses réflexions sur la façon dont Hawkins équilibrerait sa présence sur scène avec une voix aussi révolutionnaire – que l’écrivain John Burnside a qualifiée de « Vincent Price noir » – ont renforcé la réputation de Screamin’ Jay en tant que chanteur de jazz. Le statut de la chanson en tant qu’OG gothique a également cimenté la chanson en tant que point de repère sur la route de plusieurs sous-genres plus sombres. – Adam Blevins